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  • Crónica de unas reivindicaciones más que necesarias

    ‘Aladdin’ y ‘The Book of Mormon’ triunfan en la decimosexta edición de los Premios del Teatro Musical, celebrados este pasado lunes en el Coliseum de Madrid “Muchos comparan Madrid con grandes mecas como Londres y Nueva York. Lo que no suelen hacer es con las condiciones de los trabajadores. No deberíamos tener miedo a hablar públicamente de las injusticias que nos rodean”. Diez años después, “un día más para un nuevo comienzo” , los mismos cantos de libertad de Talía del Val, Guido Balzaretti, Lydia Fairen, que se escucharon allá por 2014 en el escenario, continúan. Fiel al heroísmo de Aladdin, el actor Roc Bernadí puso los puntos sobre las íes. Este diamante bruto, tras ser galardonado a Mejor interpretación destacada masculina en la 16ª edición de los Premios del Teatro Musical PTM , escribió la C de crónica de unas reivindicaciones más que necesarias. Entre aplausos, alzando la bandera, desveló lo que se esconde tras el telón: soñadores que luchan por cumplir sus sueños en pro de derechos y oportunidades . Sin ellos , no hay emoción , ni diversión ni evasión de la realidad durante un par de horas . Tampoco, existiría “el crisol de las civilizaciones” , como diría Víctor Hugo . En definitiva, la “revolución” inicia cuando oímos y sentimos TODOS “la canción del pueblo” . En 1975 , se estrena el primer espectáculo musicalizado en España , ‘Jesucristo Superstar’ , protagonizado por Camilo Sesto . Su éxito fue tan abrumador que recibió una ovación de seis minutos. En 2005 , ‘Hoy no me puedo levantar’ , alcanzando una popularidad absoluta, comienza a consolidar esta industria en la capital . Tercera potencia mundial , tras Broadway y West End , y segunda en Europa , pasan los años, como pide Bernadí, sin lámpara, pero como un genio de la oratoria, “ningún miembro del elenco de grandes producciones debería cobrar el sueldo mínimo marcado por convenio” . En las lista de “cosas” que les “da miedo decir” , enumeró con coraje que “no deberían dar de baja a los intérpretes cada vez que se van de vacaciones” , “no deberíamos normalizar el firmar nueve funciones a la semana ni hacer dobletes seguidos” y “no nos deberían descontar el día por una disfonía o una lesión producto en el show en el que estamos” . Obligaciones conjugadas con el verbo DEBER en forma de golpes en la mesa . Estruendos que han hecho que los medios de comunicación, ajenos, prestemos atención. Os pregunto, a modo de mea culpa , ¿por qué hemos tardado tanto en hablar de esto y si de los 118 días de huelga de guionistas y actores en Hollywood? Ponen el cuerpo y la voz , nosotros , como “cuarto poder” , podríamos empezar a cuidar este sector , al igual que hacen los artistas y productores . Y repito, sin ellos , no habría musicales . El Premio a Mejor dirección musical recayó en Xavi Torras , de ‘Aladdin’ ( PTM Mejor caracterización y figurinista ), que también aprovechó sus minutos sobre el escenario, galardón en mano, para reivindicar el trabajo de los músicos . “Hace 25 años, cuando firmé mi primer contrato, se decía lo mismo que este 2024: de si se va a hacer con playbacks o no. De si somos necesarios. Creerme, estoy súper cansado de pertenecer a un gremio al que amo, pero que estamos en un infinito peligro de extinción constante. ¡Basta ya! Ha llegado el momento de hablar de la música en directo, de nuestras condiciones. Estamos un poquito cansados algunos después de este tiempo que grandes producciones, que se quieren colgar el sellito de Gran Vía, se presenten con dos o tres o un instrumentista. Eso sí, a precio de ‘El Rey León’” . Como sociedad, deberíamos practicar la escucha activa, es decir, cada uno hace con su dinero lo que quiere, que para eso cuesta ganarlo, pero a la hora de gastarlo en un espectáculo, hay que recordar que, por pequeño o gran formato que sea , un musical , dada la redundancia, es MUSICAL si las canciones no son grabadas o en la jerga teatral, enlatadas . Desde el mes de abril , l a Coordinadora de Músicos de Teatro Musical ( CMTM ) vela por los derechos y oportunidades de esta pieza necesaria en la industria del entretenimiento . El teatro musical es un pilar fundamental de la economía española . Según datos de 2019, año pre pandemia, facturó más de 119 millones de euros , frente a los 94,1 que hizo nuestro cine . También como gran foco de turismo de calidad . Aproximadamente el 70% de las entradas que se venden son a turistas de fuera de Madrid . No es una mentira decir que es una industria que genera muchos ingresos y puestos de trabajo , pero con un convenio en desuso . Los tiempos cambian ante una realidad que no avanza. No existen ganadores ni perdedores como la canción de ABBA ni tampoco culpables, es hora de sentarse en la mesa, dejar los egos afuera y llegar a acuerdos. No habría musicales sin actores y actrices , es una verdad a medias, aunque no se llevarían a cabo sin productores, músicos, taquilleros, acomodadores, escenógrafos, de vestuario, maquillaje y peluquería, de iluminación y sonido, de la limpieza e incluso los del departamento de prensa . El cambio se produce cuando todos los engranajes que conforman esta maquinaria se cuidan por IGUAL . Para competir contra Nueva York y Londres, hay que jugar en las mismas condiciones . A pesar de que no podemos meternos en asuntos económicos, el público puede valorar , reconocer y aplaudir la labor de los que están delante y detrás del telón . Un simple aplauso les da la suficiente fuerza para seguir con su lucha : disfrutar y vivir de sus sueños . No solo la capital , los teatros de Barcelona y de otras ciudades españolas se llenan de obras teatrales , que incluso cuelgan el cartel de “no quedan entradas” . Adaptaciones y producciones propias para todos los gustos y edades . Entiendo que producir un espectáculo es costoso, pero considero que las productoras, al igual que se escuchó durante la gala, no deberían tener miedo y apostar cada vez más por shows nacionales , al igual que hace Beon Entertainment ( PTM Especial ). ‘El Fantasma de la Ópera’ ( PTM Mejor escenografía , iluminación y sonido ) y ‘Los Productores’ ( PTM Mejor actriz de reparto para Mireia Portas ) nos acercan el otro lado del charco y el Canal de La Mancha. Made in Spain , nuestro país puede exportar calidad al extranjero que hará que baile con ‘Bailo Bailo’ ( PTM Coreografía ), se emocione junto a ‘Bruno, El Musical que lo cambió todo’ ( PTM Musical Off ) o crea en ‘La noche del 24’ (PTM Musical Familiar ). A diferencia de otros países, España puede mostrarse ORGULLOSO de poder representar en el escenario historias no solo en español sino también en otras lenguas cooficiales como el euskera , el gallego o el catalán . Es hora de dar un salto de fe, sentir nuestras raíces como diría Lola Flores y dejarse llevar por ‘L'alegria que passa’ ( PTM Musical Original y Mejor interpretación destacada femenina para Mariona Castillo ). Contra el machismo , ‘Una rubia muy legal’ ( PTM Mejor actriz protagonista para Lucía Ambrossini ). Frente al racismo y la homofobia , ‘The Book of Mormon’ ( Musical PTM , dirección de escena , Mejor actor protagonista para Alejandro Mesa y de reparto para Nil Carbonell ). En oposición al pasado , el futuro de los jóvenes de Jana Producciones ( Premio CREA ). Los musicales son democracias culturales, que reflejan valores buenos para la sociedad . La 16ª edición de los Premios del Teatro Musical fue una auténtica fiesta en el Coliseum , en Madrid , “su gran noche” como la de Raphael ( PTM de honor ). Citando a Manuela Trasobares , “¡hemos de ser fuertes y unirnos todas! ¡TODOS! ” para que estas reivindicaciones se queden en este año y 2025 amanezca con el principio del nuevo despertar .

  • Crítica Había una vez, mi familia: Cómo conocimos a nuestros padres

    El espectáculo, que rinde homenaje a ‘Los Payasos de la Tele’ y al género clown, podrá verse hasta el 16 de junio, en el Teatro Alcalá de Madrid Había una vez, familias reunidas frente a un televisor. Muchas veces hasta los vecinos. Eran los setenta y ochenta, una España en blanco y negro. Monocromática la realidad como la ficción. Una caja tonta, de grandes dimensiones, pero con un 1 y un 2 de programación. A las siete de la tarde, durante una hora, el país se detenía. De infarto, minutos, segundos y porque no existían los nanosegundos en el metaverso de Támara Falco, a la espera de oír “¿Cómo están ustedes?”. Un “bieeeeen” atronador, de pequeños y mayores, que sonaba en todos los rincones incluso al otro lado del charco. Rompiendo audiencias y acelerando corazones, nunca antes unas túnicas rojas, unos bombines, unos zapatones y unas narices postizas habían generado tantas sonrisas. Risas de color que permanecen en el recuerdo para muchas generaciones. José, Pepito o Susanita, no importa el nombre, ‘Los Payasos de la Tele’ es la historia de cómo conocimos a nuestros padres. No siempre fueron unos carcas y unos aburridos, también sabían como divertirse, aunque ahora parezca que no lo hagan. Entre palomitas y cacahuetes, querían ser trapecistas, forzudos o domadores de elefantes y fieros leones. En equilibrio con una pértiga de realidad, crecieron, como haremos todos, dejando sus sueños a un lado por números y llegadas a fin de mes. El Teatro Alcalá de Madrid se convierte en una gran carpa de circo para recordarles a nuestros padres como era su infancia y para que conozcamos de cerca, sin despegarnos de la butaca, como disfrutaban de la vida sin preocupaciones. ‘Había una vez, mi familia’, que rinde homenaje a ‘Los Payasos de la Tele’ y al género clown, es un espectáculo de pura diversión nostálgica. Un reencuentro teatral, musical, clásico, bonito, cargado de grandes dosis de humor y momentos delirantes, con nuestros amigos del colegio. Hasta el 16 de junio, podremos seguir jugando en este emblemático patio de recreo de la mano de Los Aragón. Padezco coulrofobia o lo que es lo mismo, miedo a los payasos. De pequeño, no podía ver ni en pintura a estos personajes circenses. En mi comunión, tuve dos por el precio de uno. Tampoco, me gustaba estar cerca del Papá Noel del Corte Inglés porque te perseguía por toda la juguetería para que le entregaras la carta. Ahora entiendo porque en las novelas de terror y en las películas de miedo, generan tanto pavor. No les quito la razón. Dejando a un lado los traumas infantiles, aunque estaban presentes mientras miraba el espectáculo, he de confesar que a pesar de que ‘Había una vez, mi familia’ no me ha reconciliado con mi ayer, me ha enseñado a valorar el trabajo de quienes se esconden tras las pelucas, el maquillaje y las narices de gomaespuma. Es más fácil hacer llorar al público que reír. Este show logra lo imposible: sacarte una sonrisa desde el inicio hasta el final. Uno de los elementos que ayuda a esto es su caoticidad en el buen sentido, es decir, sobre el escenario, se muestran escenas hilarantes y locas, bien hiladas, formando un “caos” casi perfecto. No es elegante como el Circo del Sol ni tampoco underground como el de Alaska, en esencia, es un regreso al pasado cálido, mágico y reconfortante, para todas las edades. ‘Los Payasos de la Tele’ es historia de España. Nadie puede decir lo contrario. A pesar de que Emilio Aragón consiguiera menos puntuación que Hernán Cortes, lo que evidencia que se necesita más cultura en el país y menos exaltación de personajes polémicos, en el programa de RTVE, ‘Lo mejor de la historia’, este mítico show forma parte de nuestro ADN. De cromosoma a hélice, ‘Había una vez, mi familia’ es un homenaje no solo a la televisión sino también a los niños que crecieron en compañía de Miliki, Fofo y Gaby. Si que es cierto que ya me pilló crecidito esta producción audiovisual y no sentí una fuerte conexión emocional con el espectáculo en ciertos momentos, pero me sorprendió gratamente sobre todo su final. Los últimos minutos, gracias a su esencia evocadora, me hizo acordarme de cuando mi padre me ponía en el equipo de música canciones como ‘La gallina turuleca’, ‘El auto nuevo’, ‘Cómo me pica la nariz’ o ‘La barba’ y las cantábamos a capella. En definitiva, lo disfrutarán mayores y pequeños, pero principalmente los primeros. Durante el espectáculo, que se pasa volando de lo ameno y divertido que es, se recorre todos los subgéneros y técnicas características del mundo del clown, como la gestual, la textual, la parodia, lo circense y la técnica, y en todas sus vertientes, como la entrada completa, los números musicales, el humor, la poética visual, el simbolismo o la magia. En otras palabras, trasladar el formato televisivo del que bebe al teatro. Para conseguir que todas las piezas encajen en este puzle, no solo se necesita un director sino también un elenco a la altura. Desde Mónica hasta Alonso, Gonzalo y Rodrigo Aragón, pasando por los que conforman a Los Toni, se nota que el reparto está cómodo en cualquier escenario. Esa seguridad, como peces en el agua, hace que el público viva este show en primerísima persona. No faltarán tartazos, caídas, canciones, juegos de sombras y marionetas, rupturas de cuarta pared e incluso guiños a series y películas de antaño. Un espectáculo original y colorido que no dejará a nadie con un mal sabor de boca. ‘Había una vez, mi familia’, un viaje a la niñez de nuestros padres, que podremos disfrutar con ellos, hasta el 16 de junio, en el Teatro Alcalá de Madrid. La capital saca su lado más circense al grito de “¿Cómo están ustedes?”. Y así es chicos, cómo conocí a vuestros abuelos.

  • Carmen Macedo: “Desde mi experiencia, el consejo más honesto que puedo dar es que escribas lo que a ti te gustaría leer”

    La escritora sevillana de 39 años presenta su primera novela, ‘La noche que sonaron las campanas’, de la editorial Planeta Alerta naranja, la Feria del Libro azotada por fuertes rachas. Libreros, escritores y visitantes miran al cielo con preocupación. Las lágrimas de Zeus están a punto de caer. Los primeros soplos de Eolo acarician las copas de los árboles. ¿Cuál es la plegaria? ¿Dónde está la cabra para la ofrenda?, preguntan los allí presentes en susurros. Incertidumbre ante la inminente llegada de los dioses griegos. Paraguas y chubasqueros, de mil colores, desenfundados como espadas. Ni la lluvia ni el viento van a aguarles a nadie la fiesta, a no ser que el can cerbero cierre las puertas entre estruendos y chapoteos. El Retiro, un lugar mágico, donde la ficción se hace realidad. A unos pocos pasos de su lago, los sueños e ilusiones de unos se compaginan con las historias de amor, de amistad y de fantasía de otros. Como decía el dramaturgo español Lupercio Leonardo de Argensola, “la literatura ha ganado más batallas que las armas”. Por mucho papel mojado, esperemos que no suceda, las letras y las palabras nos calan el alma. Posdata: si alguna divinidad se acerca, Carmen Macedo las asesinará con su pluma así que ¡tened mucho cuidao!. Frente a la adversidad, un libro es un buen refugio. Los puestos de esta muestra literaria, que permanecerá abierta en Madrid hasta el 16 de junio, ofrecen, como agentes inmobiliarios, pequeñas viviendas temporales y asequibles. “Desde mi experiencia, el consejo más honesto que puedo dar es que escribas lo que a ti te gustaría leer. Una novela es un proyecto muy ambicioso, por eso no basta con la lectura sino que es necesario formarse, tener técnica, ensayar y hacer ejercicios”, reconoce la escritora sevillana de 39 años, que tiene en su mano una llave a promocionar. Con un trasfondo policíaco, ‘La noche que sonaron las campanas’, es un thriller rural, ágil, magnético, mágico, cautivador, lleno de grandes dosis de misterio y tensión, que nos traslada a los pueblos de montaña y a las leyendas ancestrales, con Asturias como protagonista principal. Intriga, venganza, crimen y mucha niebla bajo el sello NdeNovela, del Grupo Planeta. Para Carmen Macedo, “digo que no es un sueño porque no da ni para soñarlo de lo impensable que es que con tu primera novela te fiche una editorial como si fuera el Sevilla Fútbol Club. El hecho de que se publique y llegue a los lectores es suficiente premio para mi. Presión ninguna, expectativas quizás sí por lo que vendrá”. De profesión directora de Marketing, profesora universitaria y, por si no fuera poco, doctoranda en Comunicación, además con formación en Criminología, “no me ha resultado difícil a la hora de la documentación, pero te hace tener un punto de exigencia alto porque quería una investigación plausible y con rigor a pesar de ser ficción”. La pasión por las palabras, lo policial y la novela negra le dieron el impulso necesario para crear su primera obra. Esta todoterreno afirma que “es muy difícil elegir entre una de estas tres áreas, ya que escribo desde mucho antes de terminar Periodismo. Para mí, la escritura está en el plano de lo divertido, por eso a lo mejor me quedo con esto aunque me encanta mi trabajo”. Con muchas adaptaciones cinematográficas y futuras producciones en camino, Carmen Macedo nos explica por teléfono que “la novela está narrada para ser leída. Si que es verdad que hay tanto escenario que hace que sea un producto audiovisual bonito, pero no fue planteada con esa intención. Si surge la oportunidad, iremos adelante con ello, llegando a más público. De momento, es algo que no veo como posible”. Por su calidad, ¡crucemos los dedos para que alguna productora compre los derechos y veamos tarde o temprano ‘La noche que sonaron las campanas’ en la pequeña o gran pantalla!. “La novela que yo escribo y la que me gusta, la policial y la de investigación, encuentra en el norte de España un lugar maravilloso para su misterio y magia. En el sur, sería complicado”, matiza Carmen Macedo que recalca que “hoy por hoy, no es posible que ambiente la trama de futuros proyectos en Sevilla. No puedo decir nunca, pero ahora no entra en mis planes”. La lluvia, la niebla, los truenos, el frío, los sonidos del bosque, los ecos de la montaña dotan a ‘La noche que sonaron las campanas’ de un realismo mágico perceptible. Uno de los elementos más originales de esta ficción es que el lector, según su escritora, “conocerá Asturias a través de la mirada y las vivencias de un protagonista andaluz, Juan Peña”. En efecto, esta obra representa un punto de unión entre los de arriba y los de abajo o como le he bromeado, un ‘8 apellidos asturianos’ versión thriller. ‘La noche que sonaron las campanas’, con un regusto a fabada y arroz con leche, es una carta de amor asturiana por los cuatro costados. En su debut literario, su autora rinde homenaje y pone en valor la naturaleza, los paisajes, la forma de vida y la diversidad del Principado. “Sin ninguna duda, Bermiego es donde quería poner el foco. Un sitio muy poco conocido y fuera de los circuitos turísticos. Refleja la pura esencia de Asturias”, recomienda para sentir ‘la llamada del norte’. Carmen Macedo presenta en esta novela un escenario rural, tan fascinante como mortífero como el asesino del cachopo. A pesar del riesgo, el lector querrá quedarse a vivir en sus páginas, atrapando a todos los amantes de la tierrina entre sus solapas legendarias. El tejo, los sonidos y la huestia, la Santa Compaña de esta zona, son matices mágicos claves a la hora de esclarecer las circunstancias de un crimen vertiginoso. “Hay tantas cosas para leer que no me siento con el derecho de decirle a las personas que lo hagan. A los lectores más clásicos y ortodoxos de novela negra le puede gustar. Es amena, pero seguro que a quien le encante el norte y Asturias, la va a disfrutar mucho”, entonces no os podéis perder ‘La noche que sonaron las campanas’, la última novela de Carmen Macedo, una escritora que visita este mes de tormentas veraniegas con un tejo de 329 raíces. Está disponible en todas las librerías, tiendas y canales de venta de España. ¡El perfecto refugio para una ciclogénesis explosiva!.

  • Crítica | Bad Boys: Ride or Die

    Will Smith utiliza su famosa saga iniciada en los noventa, “Bad Boys” o “Dos policías rebeldes”, para relanzar su carrera actoral y no caer en el olvido hollywoodense. Pero la pregunta es, ¿le ha salido rana? “Bad Boys: Ride or Die” es la cuarta película de esta longeva saga, aunque hay que admitir que esta ha salido tan solo cuatro años después de la tercera, “Bad Boys for Life”. Las tres primeras películas de la saga se realizaron a lo largo de 25 años, dejando mucho espacio entre ellas. Esto indica que el objetivo de sacar esta película es relanzar la carrera de Will Smith tras el famoso "bofetón". Pero… ¿está bien? Sí, la película está bien. No soy un fanático de estas películas (de hecho, no he visto las demás) e incluso se podría decir que soy un “hater” de Michael Bay (director de las dos primeras películas y creador de la saga), pero la película es totalmente disfrutable. Vale, la historia no es nada del otro mundo, son escenas que ya has visto y personajes ya conocidos, pero estamos malacostumbrados; una película no tiene que ser única, sino dejarte un buen sabor de boca y hacerte disfrutar, y esta lo consigue. Pero entonces, ¿la historia es mala? No, no es mala, simplemente poco determinante para la saga y, por ende, para el público. En este tipo de películas sabes que los buenos van a ganar desde el minuto uno, eso es cierto, pero aún así la trama se siente muy poco importante e interesante, superflua para los personajes. Pero, ¿a quién vamos a engañar? Nadie va a ver esta película por la trama, sino por echarse unas risas con Will Smith. Entonces, ¿Will merece la pena? Pues… realmente no tanto. Quien lleva la voz cantante del humor en la película es el actor Martin Lawrence, Marcus en la película. Por ende, el papel de policía maduro y aplicado recae en Will Smith, no dejándolo brillar tanto como en papeles más simpáticos y cómicos, como en “Men in Black” (1997), donde Will brilla más que su compañero Tommy Lee Jones (Agente K en la saga). Aquí, este último es la contraparte seria y aplicada del personaje de Will. Aun así, Will Smith sigue teniendo momentos disfrutables y, para qué negarlo, quitando lo del bofetón, muchos echábamos de menos verlo en la gran pantalla. Aunque hay que admitir que revivir una saga apresuradamente para relanzar su carrera ha sido poco efectivo, cuanto menos. Conclusión Tenemos una película de un domingo por la tarde en la que no nos aburriremos viéndola, pero tampoco nos cambiará la vida. El mejor adjetivo para definirla sería “disfrutable”, como una buena película.

  • Crítica | "Ni una más", una serie para reflexionar y debatir

    ¿Te gusta el drama con un toque de suspense? Entonces "Ni una más" es tu serie. Se trata de una obra de ocho episodios escrita por Miguel Sáez Carral (también autor del libro) e Isa Sánchez y dirigido por Miguel Sáez Carral, Eduard Cortés, Marta Font y David Ulloa. Narra la historia de Alma (Nicole Wallace), una chica de 17 años, conflictiva, con baja autoestima y mala estudiante, extiende en su instituto una tela blanca donde, con letras grandes de color rojo pone: “Cuidado. Ahí dentro se esconde un violador”. No se sabe de quién habla ni la víctima ni si será cierto o inventado. Durante los cinco meses anteriores la acompañan sus dos amigas, con las que hará un viaje y acabarán en una relación diferente a la del inicio. Comienza con una presentación de personajes muy completa, primero la protagonista y luego, dos personajes secundarios, pero principales como son sus amigas Greta (Clara Galle) y Nata (Aicha Villaverde). Después, arranca la acción con el incidente incitador, cuando a Alma le empieza a dar miedo e inseguridad rodearse de chicos y tíos con intenciones bastante sospechosas y machistas. Tráiler oficial de "Ni una más". | YouTube Los puntos de giro marcan el género de la obra, por lo que, especialmente, la primera mitad de "Ni una más" atrapa al público con ese suspense característico. La otra mitad se trata más de manera dramática y muy melodrama. En cuanto a las tramas, la trama principal está contada de forma original, sobre todo por el tema (que poco se trata como debe tratarse). No se suele ver la realidad del miedo de las mujeres, en su mayoría, y esta serie es un claro ejemplo. Por otro lado, la subtrama con Berta (Teresa de Mera) es clave para que Alma se atreva a crear un perfil de Instagram y así denunciar que en su centro de estudios hay un presunto violador. Los personajes principales, como son el grupo de tres amigas, son totalmente distintos. Además, cada uno personifica cada fase de una persona que se da cuenta o se informa sobre la sociedad actual y el papel importante del feminismo. Alma es la más valiente, Nata es la que piensa que para qué luchar, y Greta, que apoya a Alma, aunque se mantiene en medio de las dos. Asimismo, los conflictos (básico, interno, y de relación) de la prota cuentan con el poder de atrapar a la audiencia y conducirla a comerse la serie en nada. Entre ellos, destacan el de relación que tiene Alma con el hermano de Greta y el interno por ser haber sido testigo de un abuso y no haber hecho nada en principio. El casting de “Ni una más” lo completan Aïcha Villaverde, José Pastor, Gabriel Guevara, Eloy Azorín, Ruth Díaz, Iván Massagué, Sara Rivero, Shiara Fernández y Daniel de Lorenzo. Se trata de una obra cinematográfica para amantes del suspense y del buen drama. Muy recomendada por el guion, la dirección, la interpretación y la música.

  • "Mi Reno de Peluche" y sus múltiples aristas

    Netflix triunfa con una de sus apuestas más arriesgadas y comprometidas “This is a true story”: Con este anuncio abre Mi Reno de Peluche, la nueva miniserie original de Netflix que ha escalado rápidamente al top de los contenidos más vistos de la plataforma desde su estreno el pasado 11 de abril. La traumática experiencia vivida por el humorista escocés Richard Gadd se ha materializado en esta producción audiovisual. La combinación de emociones – risa, miedo, inquietud, compasión, angustia… - que se experimentan frente a la pantalla es la clara demostración de que nos encontramos ante un relato auténtico. Con un ritmo acelerado - propio de las series contemporáneas -, actuaciones sobresalientes de un elenco exquisito y una sólida estructura narrativa, esta ficción se puede consumir fácilmente en una tarde. No obstante, su contenido requiere de una digestión lenta y, es que, Gadd aborda temas muy complejos tratados con sumo cuidado como los trastornos mentales y sus efectos colaterales en nuestro día a día - incluso décadas después -, así como la oscuridad que se esconde detrás de la lucha incansable por lograr nuestros sueños. Mi Reno de Peluche muestra las múltiples aristas que pueden presentarse al ser víctima de una situación de acoso. El protagonista se ve inmerso en una paradójica situación de dependencia con su propia acosadora. Podríamos decir que la serie se trata de una especie de exposición del síndrome de Estocolmo en la que Donny intenta escapar de Martha a la vez que esta se convierte en su zona de confort al encontrar en ella lo que más ansía: reconocimiento. De esta manera, el personaje entra en una peligrosa dinámica que pone en riesgo aquello que más quiere. Durante estas últimas semanas, se han generado numerosos y controvertidos debates sobre las intenciones de Gadd de llevar su vivencia a la pantalla. Sin embargo, este metraje de 235 minutos huye de los clichés asociados al personaje del “acosador”, mostrando las múltiples caras de todos sus personajes, incluida la de la antagonista. No trata de exponer a la “verdadera Martha” como villana, ni de castigarla por sus acciones del pasado, sino que se trata de una exposición de víctimas con una falta de gestión de los problemas mentales. Una apuesta arriesgada, pero necesaria en los tiempos de hoy en día que se aleja de la imagen del ser malvado y despiadado en medio del auge de los true crimes. Lo que comenzó como un crudo y sanador monólogo - pero que provocaba pocas risas en los espectadores del comediante escocés - ha derivado en una de las series de mayor éxito de la principal plataforma de streaming a nivel global. Tal vez se deba a su apuesta arriesgada, su combinación de géneros o su enfoque; sin embargo, lo innegable es que Mi Reno de Peluche ha puesto de nuevo sobre la mesa la conversación sobre la salud mental y la importancia de su cuidado.

  • Freakcon, su mejor edición en Torremolinos

    El Palacio de Congresos de Torremolinos se convierte en el epicentro del Orgullo Friki con la octava edición de Freakcon. Este año logra más de 45.000 asistentes. El festival supera todas las expectativas y más. Un sábado y domingo cargados de cultura pop, manga, anime y mucho más. El ambiente es electrizante y acogedor además de lleno absoluto en cada uno de los auditorios, talleres y pasillos de puestos artesanos y de dibujantes. Justo en medio hay un escenario principal repleto de presentaciones constantes. La decoración de gran formato introduce a la multitud en una galaxia de fantasía, complementada por, entre otras, exposiciones de Marvel, Mortadelo y Filemón. En el exterior, se puede disfrutar de emocionantes combates de lucha libre, y un escenario donde hay sitio para la música, en especial, el rap. También hay una parte de 'food trucks' de comida riquísima y premiada. Más abajo, se puede montar en un toro mecánico, en el que varias personas son tremendas expertas. El evento termina con un domingo de oro. Freakcon ha transformado a Torremolinos en un auténtico paraíso friki durante un fin de semana inolvidable. Desde el asian cover dance hasta el cosplay, los videojuegos, el cine, las series, el manga y el cómic. Lo más destacado de hoy, dedicado al cine, es la conferencia "La ficción española en su prime" y Paco Tous y Javier Quintas como invitados. Con la banda sonora de "Los hombres de Paco" suben ambos al escenario del auditorio 1. La charla es una de las actividades más esperadas para mucha gente. Así lo demuestra más de una gritando "Paco, nos hemos coronao" o "pedazo de actor". Repasan sus carreras profesionales, ofreciendo anécdotas y consejos a una audiencia fascinada y muy friki. Sobre el título de este encuentro, opinan que el cine de ficción en España está en su mejor momento, pero no nos lo creemos, por eso triunfa en el extranjero. Luego, sobre el acento andaluz en el cine, Paco Tous destaca que "si en el guion se entiende lo que se quiere interpretar, el actor o actriz puede hablar con el acento que quiera". Los juegos de mesa y el ajedrez son un punto de encuentro para las personas más estratégicas, mientras que la zona de 'dance dance revolution', la de 'kpop cover' y los conciertos mantienen a las asistentes en movimiento. Poco antes de las diez de la noche, la gente abandona el lugar. Muchas y muchos han venido los dos días y de la apertura al cierre. Freakcon deja una huella imborrable en sus asistentes, a quienes les ha gustado el cambio de localización y fecha. Pero otra parte de la gente sigue opinando que estaba mejor en Málaga y en marzo, ya que este fin de semana ha hecho bastante calor. Y para quienes han hecho cosplay, ni lo cuentan. La ciudad de Torremolinos demuestra que es, igual de capaz que Málaga, el lugar perfecto para la cultura pop y geek. Aquí hay espacio para que jóvenes y mayores disfruten y compartan su pasión. Galería de fotos realizadas por Laura Ruiz (@artviewslau).

  • El comienzo de una era: Crónica de Vicco en Sala Ochoymedio

    La intérprete de Nochentera presentó el pasado sábado su primer álbum de estudio en un concierto que no dejó a nadie indiferente. Cuando me dispuse a escribir la previa para este concierto, lo hice incluyendo la siguiente afirmación: Vicco es más que Nochentera. Hace unos cuantos meses, en Cadena 100 por ellas, tuve la oportunidad de charlar con Victoria, y me dejó claro que estaba trabajando con el foco en tener una carrera de fondo y que estaba rodeada de un muy bien equipo para ayudarla a tal fin. Lo que pasó el pasado sábado en la Sala Ochoymedio con el 2do concierto de la Girantera fue eso: Vicco demostró que tiene todos los ingredientes para ser una estrella. En un paradigma mainstream que gira cada vez más hacia lo urbano, Vicco da la vuelta y trae Noctalgia, con esa vibra ochentera que te hace saltar de la euphoria. Vicco no solo demostró que sabe hacer buenas canciones, si no que, también, todo el trabajo de estos meses ha sido para algo, con show a la altura de su disco, demostrando que su sitio es el escenario y que sabe cómo comérselo sin dejar de transmitir al público. Además, nos regaló un maravilloso momento íntimo, en el cual viajó por el pasado de esa Vicco desconocida que iniciaba sus andadas por la música allá por 2020. Sin duda, la carrera de Vicco acaba de despegar hacia lo más alto. Está más que claro que vamos a tener Vicco para rato.

  • Cisco Lara, Vincent en ‘Forever Van Gogh’: “A pesar de la precariedad y la inestabilidad laboral, los artistas tenemos que estar un poco locos para saltar al vacío. No me veo en una oficina”

    El Teatro Marquina de Madrid acoge este espectáculo, que fusiona la obra del pintor neerlandés con la Inteligencia Artificial y la música de Ara Malikian, hasta el 2 de junio. En septiembre, arranca su gira por España ¿Alguna vez os habéis detenido durante al menos cinco minutos para contemplar un cuadro en una sala? Retablos, bodegones, de paisajes o animales, de autorretratos o de grupos de personajes excéntricos, de temática religiosa o profana, de anónimos o de autores conocidos, clásicos, contemporáneos, abstractos o surrealistas cuelgan en las paredes de las galerías de todo el mundo ante la atenta mirada de los visitantes. Desde una gran ciudad hasta un pequeño pueblo, alberga un lienzo que es, cómo dice Antonio Saura, “un campo de batalla interminable”. Al fresco, al óleo o con acuarelas, somos pintores de nuestra vida. Brocha fina o gorda e incluso con los dedos, damos pinceladas, llenándola de colores y claroscuros. En ciertas ocasiones, nos sentimos Ecce Homo y de tanto subir escaleras y perdernos como Escher, ponemos el grito de Munch en el cielo, otras en cambio, felices como niños que juegan en la orilla de la playa de Sorolla. Las pinacotecas almacenan retazos vitales de los artistas al igual que las fotos de los álbumes. Hay que hacer como Goethe y “observar el ARTE todos los días” porque detrás de los armazones de madera, permanecen historias y recuerdos, que nos acompañarán para siempre, como esa conversación entre un abuelo y un nieto en un museo murciano. Un poblado de colinas, montañas y casas, bajo un cielo con once estrellas relucientes y una luna a la derecha, envuelta entre ondulaciones. Blancos, amarillos, verdes y azules y un ciprés que rompe la horizontalidad del paisaje, salpican ‘La Noche Estrellada’. Expuesto en el Marquina, de este cuadro no se sabe con certeza si es lo que se veía a través de la ventana del centro psiquiátrico en el que permanecía Vincent o si era su favorito, pero, mediante el método del carbono catorce, para el actor que lo interpreta, “en ‘La Noche Estrellada sobre el Ródano’ viviría”. Formado en danzas urbanas y contemporáneas en Madrid y Nueva York, “estoy en tierra de nadie, ya que me siento cómodo en estos estilos y en el musical”, y tras actuar en cine y televisión, “a día de hoy, me gusta más el teatro. Todos tienen sus pros y sus contras así que no me mojaría en escoger uno”, Cisco Lara afirma que, a pesar de no saber que otro pintor sería, aunque “Gustave Klimt me encanta”, como buen granadino, le pirraría meterse en la piel de Federico García Lorca, “le tengo mucho respeto, pero todo es ponerse”. Producido por Beon Entertainment, ‘Forever Van Gogh’ es un espectáculo único e irrepetible que fusiona la obra del artista neerlandés con la Inteligencia Artificial y la música de Ara Malikian. Hasta el 2 de junio, se puede disfrutar de esta experiencia pictórica inmersiva en la capital. Próximamente, en septiembre, arranca su gira por España. La originalidad está en su paleta de colores. ‘Forever Van Gogh’ es, como lo definiría el hombre tras el genio, “una obra de teatro-danza, de texto, no un musical. En ella, se combinan dos disciplinas, en las que hay que prepararse vocal, física y mentalmente para estar al nivel. El elenco es un equipo de biatletas que debemos dar el do de pecho hasta llegar a la última butaca”. Con música en directo, creada por Ara Malikian, “estoy sorprendido con la precisión con la que compuso las partituras, ya que encajan a la perfección. Hay días, que estamos cansados al ser humanos y no robots y me sirve para conectar con la historia y con mi personaje”, este deportista de las pistas de baile y los libreros destaca que uno de los valores de este espectáculo es “conseguir que el público se meta en la piel del artista y comprenda porque llegó a ese estado de enajenación mental. No nos quedamos con el simple dato de que estaba loco y se cortó la oreja. Realmente nadie sabe cuál fue el motivo que le llevó a hacerlo”. A través de los movimientos, se narran las emociones del pintor de ‘Los girasoles’. Desde su estreno, ha roto las fronteras entre el artista y el espectador, ofreciendo un viaje sensorial a la enajenación y genialidad de Vincent van Gogh. Para Cisco Lara, “ha sido un reto construir desde cero, sin caer en el cliché, una persona, que a pesar de tener un trastorno mental, era muy inteligente. Un genio y filósofo, conocido por todo el mundo. Una maravilla poder interpretarlo función tras función”. Tras viajar una semana por Holanda y después de ver todas películas y documentales sobre esta leyenda de la pintura, este actor de Granada, que actúa y baila en el escenario, ha señalado que “pintaba antes de salir a escena para relajarme y con la mano izquierda porque mi personaje era zurdo, para probar y jugar un poco. Lo que es pintar no lo he hecho”. Coreografiado por Chevi Muraday y dirigido por Ignasi Vidal, esta producción original de Dario Regattieri “hace empatizar al público con la locura y la incomprensión de éste, ya que murió atormentado al solo vender un cuadro. Llegamos a entender el porqué hacía las cosas de manera tan caótica. Una diferencia con respecto a otros biopics pictóricos”. A punto de terminar su temporada en Madrid, esta producción teatral es también una historia de hermandad. Junto a Felipe Ansola, “un 10 como compañero. Con solo mirarnos, nos entendemos. El día a día con él es fácil. Hemos trabajado juntos varias veces e intentamos no relajarnos nunca y buscar cosas nuevas”, sobre el escenario se cuenta “la relación de uña y carne entre los hermanos Van Gogh. Lo que le faltaba a uno, lo aportaba el otro. Todos los diálogos que aparecen en escena se basan en las cartas que se escribían, aunque algunas partes son ficcionadas. Lo que la gente no sabe es que Theo murió a los seis meses de Vincent”. Un amor de los que hacen falta en los teatros. Emociones que erizan hasta los pelos de los pinceles, el entrevistado aconseja a futuras generaciones que “esto es una forma de vida en la cual hay que tener vocación y mucha paciencia. El éxito es relativo porque para mí es ser feliz, estar tranquilo y que te guste lo que haces incluso en un proyecto sin grandes galardones”. “A pesar de la precariedad y la inestabilidad laboral, los artistas tenemos que estar un poco locos para saltar al vacío. No me veo en la rutina de una oficina, ya que la incertidumbre y los próximos trabajos que vendrán me mantienen vivo”, pincela a modo de conclusión. “Es verdad que hay una gran oferta de espectáculos en Madrid y en el resto de España, pero algo que se ha hecho con tanto amor es necesario verlo. Es una historia novedosa y bonita que tocará la patata del espectador y no dejará indiferente a nadie”, recalca Cisco Lara. Hasta este domingo 2 de junio, volveros locos en el Teatro Marquina con ‘Forever Van Gogh’. Después de disfrutar de esta experiencia, marchareis vuestra vida de pintura porque la felicidad está a un brochazo y los espectadores que la han visto, lo han comprobado.

  • Bingo Party by Drag Brunch Madrid regresa a Brava 2024

    Una de las fiestas más esperadas que en esta edición contará con tres hosts de lujo. Foto vía Instragram @brava_madrid Vania Vainilla, Clover Bish y Pakita te esperan en este Brava Madrid 2024 con la esperada Bingo party de la mano de Drag Brunch Madrid. Pero esta fiesta tiene truco, y es que solo los primeros en llegar a festival podrán participar y ganar un viaje a Miami.

  • St Pedro presentará su nuevo trabajo en Madrid el próximo 22 de abril.

    El canario estrena en el escenario de la sala El Sol su trabajo Esta vida que elegí de la mano de Alhambra. Foto vía Instagram @stpedro Esta vida que elegí da título al primer álbum de St Pedro. El canario, finalista de La voz y sub campeón del Benidorm Fest 2024, se ha lanzado a la piscina con un proyecto que mezcla ritmos latinos y letras románticas. Un cóctel maravilloso que hace que no dejemos de bailar. Foto vía Instagram @stpedro Ahora, se sube a los escenarios para darlo a conocer al mundo, aterrizando en Madrid gracias a Momentos Alhambra. Un concierto que tendrá lugar el próximo día 22 de junio en la sala El sol. Foto vía Instagram @stpedro Las entradas están disponibles en Wegow a un precio de 20€ + gastos de gestión. La apertura de puertas es a las 21 y el concierto dará comienzo a las 21:30. Foto vía Instagram @stpedro Una noche a ritmo de merengue, salsa y una de las voces más dulces de nuestro país.

  • Tom Odell conquista a los corazones madrileños una vez más

    El cantante inglés dejó huella en La Riviera con un concierto breve, pero intenso Con Madrid, Tom Odell ponía el broche final a The Black Friday Tour, una gira europea que le ha llevado por más de veinte ciudades y diez países distintos a lo largo de un mes. El público fue calentando motores al ritmo pop de Wasia Project, un dúo inglés que cautivó con la carismática y enérgica voz de la cantante, Olivia Hardy, cuyo estilo evocaba el de Billie Eillish. Sin duda, la elección de los teloneros por parte de Odell fue acertada, y es que, con sus últimas canciones previas a su aparición, toda la Riviera ya estaba saltando y bailando sin parar. Cuando llegó el turno de Tom, todos los amantes de su música le dieron la bienvenida entre aplausos y ovaciones. Sentado al piano, comenzó a tocar “Loving You Will Be the Death of Me”, una de las canciones más queridas del nuevo álbum. Durante el espectáculo, se intercalaron temas más actuales con otros clásicos como “Heal” o “Can’t Pretend”. En conjunto fueron tejiendo la atmósfera bella, pero melancólica que caracteriza al estilo de Odell. Hacia la novena canción, el cantante sorprendió a su entregada audiencia al anunciar que solamente podría interpretar un par de canciones más. Su voz parecía haber llegado al límite después de la extensa gira. Sin embargo, tras el prometido último tema, Tom Odell parecía que resurgía y las canciones continuaron sucediéndose. Se supo que había llegado el fin del concierto cuando una oleada de móviles se alzó para grabar el himno “Another Love”. Coreada con fuerza por todo el público, Tom Odell cedía parte de los estribillos y, por fin, daba una merecida tregua a su voz. No nos olvidamos de nuestra próxima cita con el cantante en el festival Mad Cool el miércoles 10 de julio. Esperamos verlo con sus cuerdas vocales recargadas al 100% y, sobre todo, con su misma magia.

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