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  • Crítica El Tiempo entre costuras, El Musical: El mejor regalo para el Día de la Madre

    La segunda temporada de este espectáculo, basado en la aclamada novela de María Dueñas, podrá verse hasta el 23 de junio en el Teatro La Latina Dice un proverbio judio que “Dios no podía estar en todas partes, así que las creó”. Un vocablo, cinco letras y un significado chillao o como escribió el poeta Khalil Gibran, “la palabra más bella pronunciada por el ser humano”. M de MAGIA por los besos que sanan; A de AUTORIDAD por las lecciones que marcan; D de DULZURA por los abrazos que atrapan; R de ROMA por el amor, al derecho y al revés, que regalan y E de EMPATÍA por los sueños que dejan. Ninguna acepción en el diccionario, MADRE no hay más que una. Criaturas “casi celestiales”, como añoraba Abraham Lincoln, que con solo una mirada sabe lo que nos pasa. Diez meses, cuarenta semanas y un latido después, damos las gracias, cada primer domingo de mayo, a nuestras superheroínas, de carne y hueso. Mamás sin capas, pero con mucho coraje, nada a cambio, nos dan la vida, nos enseñan a comernos el mundo a dentadas y nos quieren hasta el infinito y más allá con nuestros primeros dientes y nuestras últimas canas. Mayo, el mes por excelencia del amor maternal. Cruces floreadas en las plazas y auroros entonados elogian a la Virgen y a la madre que nos parió. Aunque muchas veces nos peleamos y con un perdón siempre en la boca, no decimos los suficientes ‘te quiero’ por vergüenza. El Teatro La Latina se convierte en el micrófono perfecto para expresar sin miedo, que son el combustible de nuestras vidas. Mejor que un ramo, una colonia o una tarjeta, ‘El Tiempo entre costuras, El Musical’, el REGALO en mayúsculas. Esta producción de Beon Entertainment, basada en la aclamada novela de María Dueñas, es emocionante, elegante, sofisticada, cuidada al detalle, pero sobre todo te atrapa entre sus alas y te toca el alma. Con su segunda temporada a punto de acabar, una experiencia inolvidable para enunciar, mirando a sus ojos, nuestro más sentido ‘mamá’. Hasta el 23 de junio en este emblema madrileño, no serás artista pero si modista o espía. Beon Entertainment es la madre de las compañías teatrales. Un sello de calidad, en el que no se deja un fleco sin cuidar. Tras éxitos como ‘El Médico’, ‘La Historia Interminable’ o ‘Antoine’, basado en las vivencias del escritor de ‘El Principito’ y a punto de estrenar en los próximos meses y años ‘Los Pilares de la Tierra’ y ‘Patria’, vuelve a coronarse con ‘El Tiempo entre costuras, El Musical’. Fidedigna a la obra original y supervisada por su creadora, es una odisea apasionante en la que los talleres de alta costura, la elegancia de los grandes hoteles, las conspiraciones políticas y las oscuras misiones de los servicios secretos, se entremezclan en una historia de amor, que quita el sentio. Madrid, Tetuán, Tánger o Lisboa, un viaje sin despegarte del respaldo gracias a su puesta en escena milimétrica. Buena iluminación y con algún que otro fallo de sonido, que solucionaron con maestría los técnicos, y una escenografía evocadora dan forma a este espectáculo, que transcribe las aventuras de Sira Quiroga del libro a las tablas de La Latina. La moda juega un papel fundamental en el show, donde el departamento de vestuario, en este caso, es el protagonista indiscutible. Cada función, el público asiste a un auténtico desfile. Más de 300 cambios, muchos de ellos uniformes españoles y alemanes originales, y 40 pelucas y tocados te trasladan a otra época sin previo aviso. Una producción sofisticada, glamurosa, que hila muy fino y remata con hilo de oro. No da puntadas sin saber y para que sus trajes y atuendos sean la envidia más allá de la Gran Vía madrileña, Lorenzo Caprile es su artífice. Aparece un vestido verde y rojo, que lleva Sira Quiroga, interpretada por Alba Cuartero, que cualquier persona querría tener en su fondo de armario, incluida la mismísima Barbie de Margot Robbie. En otras palabras, es hacer alta costura en el escenario, un valor diferenciador. Mención aparte, dentro del elenco, merece Alba Cuartero. Sin ninguna duda, la reina del show. En casi tres horas de espectáculo, en ningún momento se baja del escenario, llevando sobre su espalda todo el peso de la función. Apenas conocía otras de sus actuaciones, pero en ‘El Tiempo entre costuras, El Musical’, que fue la primera toma de contacto, me dejó ensimismado. He de confesar que después de haberla entrevistado por teléfono, quería conocer más sobre su personaje. Esta navarrica, que quería ser artista como Concha Velasco, es una voz blanca, pura, potente y bella, que emociona, te hipnotiza y te eriza la piel con las primeras notas. Con talento como el suyo, las producciones musicales en España pueden respirar tranquilas, ya que viene una cantera que va a dar mucho de qué hablar en años venideros. ‘El Tiempo entre costuras, El Musical’ cuenta con un reparto a la altura. La elegancia de Jan Forrellat, el deje de Teresa Alba, el histrionismo de Fran León, la emoción desbordante de Noemí Mazoy, la sutileza de Gema Bastante, la potencia de Paco Arrojo o las tablas de Alberto Vázquez, por mencionar algunos, encandilan a los asistentes con grandes actuaciones. Me quedé con ganas de poder ver a Esther Santaella sobre el escenario, aunque si no es aquí y es en otros espectáculos, tarde o temprano, romperé el silencio entre aplausos. “Es una historia que te atrapa desde un inicio, que te agarra las entrañas hasta que no te suelta hasta el final. Habla sobre la amistad, la relación maternal, el amor, la pasión y el espionaje. Intriga para que no te quieras perder un segundo”, así lo describió hace unas semanas Alba Cuartero en una entrevista en ConCdeCultura. Después de verlo, son unas palabras muy acertadas. Hasta el 23 de junio, en el Teatro La Latina, aunque a mitad de mayo hace escala en tierras mañas, podréis disfrutar de ‘El Tiempo entre costuras, El Musical’. Un espectáculo para mostrar nuestro cariño a la persona que nos despierta cada cumpleaños cantando o nuestro afecto a esa contadora de cuentos que nos dice que somos cerditos de menta o flores raras y hermosas, que florecemos en la adversidad. ¡Feliz Día de la Madre! ❤

  • Crítica | "The beekeeper", una joya de la acción

    Se trata del número 1 en Prime Video España ¿Te gusta la acción y no sabes qué ver? En este artículo, recomendamos "The beekeeper". Se trata de una joya disponible en Prime Video. Engancha a la audiencia desde la escena de apertura hasta la escena final. "The beekeeper" es un largometraje escrito por Kurt Wimmer y dirigido por David Ayer. Cuenta la historia de Adam Clay (Jason Statham), un apicultor que cuida y protege a sus abejas en una granja. En el pasado, formó parte de una organización secreta: los Beekeepers, por lo que cuando le roban dos millones de dólares a su vecina, una persona mayor, vuelve al grupo para vengarse. Así, descubre una red de estafas que se aprovecha de personas vulnerables. Comienza con una presentación de personajes muy correcta, primero el protagonista y luego, dos personajes secundarios principales en la historia. a los pocos minutos, arranca la acción con la llegada del incidente incitador, cuando Clay decide actuar como un verdadero Beekeeper a pesar de estar retirado por querer una vida tranquila. Tráiler oficial de "The beekeeper". | YouTube El primer punto de giro es cuando Clay comienza a buscar a sus antagonistas, el punto medio es la reunión del verdadero antagonista, Wallace Westwyld (Jeremy Irons), con su equipo para acabar con el prota, y el segundo punto de giro es cuando el protagonista se cuela para acabar con su antagonista y ayudantes. El clímax surge con el enfrentamiento del protagonista y del antagonista. El telón de fondo es corto pero lo suficiente para acabar la película sin ningún conflicto. En la última escena el protagonista se va tranquilamente, sabiendo que vuelve a su vida tranquila y a ser un apicultor de nuevo. El tema de "The beekeeper" se encuentra en la subtrama de Clay con Verona (Emmy Raver-Lampman), la hija de su vecina, que al final es realmente de lo que trata el largometraje. Proteger a la colmena de los avispones. Está muy bien construido la metáfora de ser un apicultor y ser un agente secreto que lucha por proteger a la gente vulnerable. Los personajes son totalmente distintos y se complementan unos a otros. Cada uno, tiene un mismo objetivo y llegan hasta él a su manera. También tienen su backstory y sus vidas personales y profesionales. Es más, el arco de transformación de los personajes Clay y Verona, sobre todo, es el adecuado, empezando siendo unas personas y acabando siendo otras, ya que uno estaba retirado y otra seguía fielmente las leyes. Por otra parte, los conflictos (básico, interno, y de relación) de Clay cuentan con el poder de atrapar al público aparte de mantener el género de la película. Entre ellos, destacan el interno por ser el origen de todas sus decisiones hasta acabar con el antagonista. Además, los diálogos, la ambientación y la dirección son lo más destacable de la obra aparte de la perfecta interpretación y la buena premisa. El largo mantiene la acción en cada escena. Sobre todo, los tres personajes principales, quienes cuentan con la misma motivación y, en el caso del antagonista, la contraria. Se trata de una obra cinematográfica para quienes les gusta la acción y el suspense. Muy recomendada por el guion, la dirección y la interpretación.

  • 5 True Crimes que han sido novedad este mes

    Este abril, nos hemos sumergimos en asesinatos, secuestros y delitos a través de estas cinco series imprescindibles que se acaban de estrenar. ¿List@ para sacar tu lado más psicoanalista? La fascinación por los crímenes reales es un fenómeno complejo que tiene raíces psicológicas y socioculturales. Nos atraen estos casos por nuestra naturaleza curiosa, nuestra fascinación por el lado oscuro de la naturaleza humana y nuestra necesidad de enfrentar nuestros propios medios. A medida que la tecnología avanza, la forma en que consumimos contenido de crímenes reales también evoluciona, pero el interés por estos casos delictivos sigue siendo una constante en nuestra sociedad. Al final del día, los crímenes reales nos ofrecen una oportunidad de explorar la complejidad de la mente humana y aprender sobre nosotros mismos y el mundo en el que vivimos. Por ello, en esta ocasión, te presentamos cinco true crimes que son novedad este mes de abril, para que pongas al día tu lado más “morboso”. Venga, ¡dale al play! ‘Secuestro del vuelo 601’ El 30 de mayo de 1973, un avión Lockheed Electra HK-1274 perteneciente a la desaparecida aerolínea Sociedad Aeronáutica de Medellín despegó de Pereira, Colombia, con 84 personas a bordo, en una ruta que conectaba Medellín con Cali y Pereira. En pleno cruce de los Andes, dos futbolistas de origen paraguayo con dificultades económicas tomaron el control del avión asegurando ser integrantes de la guerrilla del Ejército de Liberación Nacional. En este hecho real se basa ‘Secuestro del vuelo 601’, una serie colombiana narra la historia de un vuelo comercial que es secuestrado por un grupo de terroristas. A medida que la tensión aumenta a bordo del avión, pasajeros y tripulación se ven obligados a enfrentar situaciones extremas mientras intentan sobrevivir y encontrar una manera de detener a los secuestradores. Un drama que t Está disponible desde el 10 de abril en Netflix. ‘Under the Bridge: El asesinato de Reena Virk’ Aquella noche del 14 de noviembre de 1997, Reena Virk, de 14 años, fue invitada por su amiga a una fiesta cerca del puente Craigflower, en la ciudad de Saanich, Columbia Británica. Fue allí donde, lo que pareció una fiesta inocente, se convirtió en su peor pesadilla. Y Reena, que ya había sido víctima de acoso, tras recibir golpes, puñetazos y patadas, fue tirada al río, donde perdió la vida. Esta docuserie hace un recorrido por este impactante asesinato y por posterior investigación y juicio. Explorando temas como la intimidación, la violencia y la justicia, esta producción busca arrojar luz y profundizar en una tragedia que sacudió a la comunidad canadiense. Está disponible desde el 17de abril en Hulu. ‘Escena del Crimen: Muerte nocturna en Berlín’ Ambientada en la capital de Alemania en 2012, esta serie presenta casos reales de crímenes que despertaron el miedo en la comunidad: unas víctimas, aparentemente elegidas al azar, son drogadas con una sustancia desconocida. Una serie de asesinatos que no para de acaparar titulares y no hace nada más que incrementar la presión de la policía alemana. A través de recreaciones y testimonios de expertos, se busca analizar la vida nocturna de Berlín a la par que ofrecer una visión profunda de la labor policial y científica que hay detrás de la resolución de crímenes. Está disponible desde el 3 de abril en Netflix. ‘El caso Sancho’ (2017) Si hay algún crimen que ha acaparado las televisiones en la actualidad, ese es el caso de Daniel Sancho y Edwin Arrieta. Por ello, no era de extrañar que se creara un documental alrededor de este polémico caso. Un documental que también ha venido envuelto en polémica, con misteriosa desaparición de la plataforma incluida. Presentado como un true crime producido en tiempo real, con un relato contextualizado y documentado que se torna cada vez más complejo. Cuenta con testimonios del entorno de la víctima y del acusado (contando con una de las primeras entrevistas a su padre, el actor Rodolfo Sancho), así como de personas involucradas en la investigación, entrelazando un relato que sigue con muchos interrogantes. Está disponible desde el 3 de abril en HBO Max. ‘El caso Asunta’ Sin duda, la gran esperada del mes. Tras el éxito de ‘El cuerpo en llamas’, la plataforma apuesta por una nueva serie basada en un caso español: El caso Asunta. Seis episodios, producidos por Bambú Producciones, que se remontan al 22 de septiembre de 2013, cuando Rosario Poro y Alfonso Basterra, denuncian la desaparición de su hija de 12 años. A partir de ahí, sus vertiginosos capítulos recorren la investigación policial, una investigación que cada vez se cerrando más alrededor de los padres adoptivos. Protagonizado por Candela Peña y Tristán Ulloa, cuenta con la colaboración de Javier Gutiérrez, Carlos Blanco y María León, entre otros. Está disponible desde el 26 de abril en Netflix.

  • Julia Medina, la verdad de una voz

    La gaditana da el pistoletazo de salida a su gira 'Compañera de Viaje' Era jueves. Madrid iba frenética como siempre. La gente deambulaba de un lado a otro a ritmo vertiginoso y de repente, en pleno corazón de esa agitada ciudad, la calma hizo acto de presencia en un Café Berlín que escuchaba la especial voz de Julia Medina recitar verdades escritas de su puño y letra. El concierto iniciaba con un gracias mayúsculo por parte de la artista, porque a veces apostar por la música en directo es difícil pero ella ha luchado por estar ayer subida a ese escenario contándonos su verdad y podemos decir que lo ha conseguido. Un setlist que nos permitió recorrer la carrera de la cantante, desde 'Idas y Venidas' de su segundo trabajo discográfico a 'Cara B' que abre su recién estrenado EP y que además comparte con Ainoa Buitrago, pasando por 'La Cuarta Parte', 'ADIÓS' o 'No me Despedí'. Entre tanta emoción y silencio de la sala Julia se atrevió a tocar varias inéditas. Además mostró madurez artística, cercanía y ganas de seguir haciendo música. También hubo rato para las bromas y las anécdotas, y fue en una de ellas en la que confesó que solo se visualiza encima de un escenario, que ya de niña, soñaba con contar historias y ponerles música. Julia, la música te da las gracias por la valentía y el buen hacer. Te quedan infinitas historias que contarnos y a las que ponerles música, gracias por ser nuestra compañera de viaje.

  • Luis Cortés presenta su EP Dolores. Compartiendo su corazón con la audiencia.

    Fotografías: Diana Vilca El 24 de abril, los asistentes al evento, ansiosos por presenciar la presentación del nuevo EP "Dolores" del músico Luis Cortés, experimentaron una experiencia íntima y cercana. Desde el inicio, la atmósfera fue emotiva, con una introducción conmovedora al artista por parte de la discográfica SBR. Luis Cortés cautivó al público al comenzar a cantar directamente, interpretando canciones como "Musas" y "Al Alba" . Con "Me Duele Quererte", dio una emotiva explicación sobre cómo una experiencia amorosa inspiró su creación. Continuó con "Sin Ti, Sin Mí", pero el momento más impactante del evento fue cuando interpretó "Mama", su última canción del EP, dedicada a su madre y abuela presentes, conmoviendo profundamente a todos los asistentes y dejando una huella emocional duradera y sacando a mas de una persona algunas lágrimas. En resumen, el evento de presentación del EP "Dolores" de Luis Cortés fue una experiencia emotiva y conmovedora, marcada por la conexión íntima entre el artista y su audiencia. Desde la introducción por parte de la discográfica hasta las interpretaciones cargadas de sentimiento, cada momento contribuyó a crear un ambiente especial. La dedicación de la canción "Mama" a su madre y abuela fue el punto culminante, destacando el profundo vínculo emocional entre Cortés y su familia, que resonó fuertemente con todos los presentes. Se notaba claramente el cariño con el que Luis compartía cada detalle, lo que hizo que la experiencia fuera aún más significativa para todos los presentes.

  • Tráiler de 'Historias', la última película de Paco Sepúlveda

    HISTORIAS es un recorrido lineal, a través de la vida, que gira en torno a 11 historias que van desde el nacimiento a la vejez, pasando por todas las etapas: el primer amor, el primer desamor, la madurez, las complicaciones y decepciones de la vida adulta, las despedidas…  Once escenas unidas por la lucha de sus protagonistas contra el miedo y la búsqueda de la felicidad. La película, rodada en distintas localizaciones de Madrid, Cádiz y Montevideo está protagonizada por Fernando Tejero, Maggie Civantos, Eduardo Blanco, Aura Garrido, Manuel Morón, Emilio Gutiérrez Caba, Luisa Gavasa, Albert Baró, Sauce Ena, Diego Domínguez, Malena Narvay, Alejandro Martínez, Nahuel Picone, Julia Miró, Edu Rejón, Enzo Lombardi, Cocó Jiménez, Helena Kaittani, Amaia Sancristóbal, Beatriz Torres y Manuel Baldé. La película cuenta, además, con la participación de Juan Diego en la que es su última aparición en la gran pantalla. HISTORIAS  llegará a los cines españoles el próximo 24 de mayo de la mano de Vértice 360. SINOPSIS Once historias nos reflejan que todos somos más parecidos de lo que pensamos. No importa de dónde vengamos, quiénes seamos o dónde hayamos nacido, todos sentimos amor, miedo, felicidad, esperanza… y esos sentimientos nos unen. SOBRE LA PELÍCULA Paco Sepúlveda, escribe y dirige HISTORIAS. Actualmente, trabaja en la preproducción de su tercer largometraje, Inocencia, basado en su premiado cortometraje homónimo de 2020. En palabras del propio Paco Sepúlveda: “Con HISTORIAS pretendo contar el núcleo de lo que, bajo mi punto de vista, somos como seres humanos. Más ahora, que cada vez nos separan más cosas como la tecnología o la necesidad de posicionarnos en todo, creando así una especie de hinchada de fútbol que nos convierte en hooligans de la vida. Ahora que parece que el miedo nos invade por las guerras cada vez más contínuas y las políticas más cerradas por fronteras que niegan la vida a quien busca sobrevivir. Con HISTORIAS me detengo en lo verdaderamente importante, en lo que llamamos cotidiano como si fuéramos conscientes del paso del tiempo real y de cómo vivimos. Me detengo en los silencios de lo que no decimos y lo que de verdad me preocupa y tiene mi atención: el trato que nos merecemos como personas, el tiempo y el amor necesarios para superar el miedo que nos provoca esta vorágine cada vez más rápida y extenuante que es la vida. Hay algo que por mucho que cada uno tenga su pensamiento, su ideología, sus valores y su moral, nos une a todos. El miedo y el amor. Cada historia cuenta con diferentes actores en diferentes puntos de la vida, pero a su vez, mi intención es reflejar que todos, sin importar el origen de cada uno, estamos hechos de lo mismo”. HISTORIAS es una producción de GUAINOT PRODUCE y MOTHER SUPERIOR con AVANT EVENTS y BASTARDAS FILMS de Maggie Civantos como productora asociada, siendo esta la segunda colaboración con GUAINOT PRODUCE tras El juego.

  • ‘Brandy Hellville y el culto a la moda rápida’: destapando los “trapos sucios” de la marca de moda

    La cultura de la moda rápida ha dominado el mundo de la moda durante décadas, pero recientemente ha enfrentado críticas y controversias por sus ejercicios comerciales y éticas, como es el caso de Brandy Melville. ‘Brandy Hellville y el culto a la moda rápida’ presenta una visión crítica de la marca y sus controvertidas prácticas. Brandy Melville es una marca italiana que se ha convertido en una de las favoritas de las adolescentes, especialmente en los EE.UU. Sus prendas básicas y precios accesibles la han convertido en una elección popular entre las jóvenes, pero bajo ese furor se esconden oscuras prácticas y consecuencias para las más jóvenes, como la polémica “talla única” y su falta de diversidad de cuerpos, que conlleva un auge en los trastornos alimentarios. Y esto es solamente la punta de un iceberg: trastornos mentales, nazismo e incluso agresiones sexuales se destapan en el documental ‘Brandy Hellville y el culto a la moda rápida’, un exhaustivo estudio dirigido por Eva Orner en el que nos metemos en la tripa de una industria cada vez más tóxica y contaminante. Estas son algunas de las impactantes ideas que se describen en el documental. “One size fits all” La política de talla única de Brandy Melville ha sido objeto de mucha controversia. Al ofrecer solo una talla, una S cada vez más diminuta, la marca está promoviendo un ideal de belleza inalcanzable y potencialmente dañino para su clientela adolescente.  Ahí están los testimonios de sus antiguas empleadas: muchas de ellas han acabado teniendo un trastorno alimentario del que todavía están intentando recuperarse. Pero ese no es el único “punto negro” que se esconde en la marca creada por Stephan Marsan: las empleadas, a menudo jóvenes adolescentes, son seleccionadas por “encajar con el estilo de la marca”, y se les pide que envíen fotos de cuerpo entero y enlaces a sus redes sociales, fotos de menores que se quedaban guardadas en grupos de Whatsapp de los grandes directivos. Además, las empleadas que ganaban peso eran despedidas, y las que no eran blancas o estaban muy delgadas eran relegadas a trabajar en el almacén. Unas consecuencias endebles Las prácticas cuestionables de Brandy Melville, además de sus comentarios racistas y sexistas, dañaron su reputación, llevando a un boicot por parte de sus empleados y un impacto en sus ventas. Sin embargo, todo parece haberse olvidado: la empresa ha mantenido su silencio y las adolescentes siguen consumiendo de esta moda rápida. Una moda rápida que es cada vez más dañina con el medio ambiente y las condiciones laborales. Porque es importante recordar que, aunque Brandy Mellville ha sido objeto de críticas, no es la única marca de moda rápida que está cargándose el planeta. Un planeta que estamos ahogando con kilos y kilos de tela de usar y tirar. En resumen, ‘Brandy Hellville y el culto a la moda rápida’ ofrece una visión detallada no solamente de la polémica empresa, a través de entrevistas y testimonios de exempleados, sino que también pone en relieve las prácticas contaminantes y deshonestas de la moda rápida, buscando concienciar y hacer reflexionar (y con mucho éxito) al espectador. Porque somos nosotros, como consumidores, quienes tenemos el poder de cambiar estas dinámicas al elegir marcas que respeten los derechos de los trabajadores y promuevan prácticas sostenibles.

  • Anabel Alonso: “Si la Celestina viviera en nuestra época, le diría que fuese libre y dueña de sí misma como era en 1500”

    El Teatro Reina Victoria de Madrid acoge esta tragicomedia, basada en el clásico homónimo de Fernando de Rojas, hasta el 16 de junio La vida es puro teatro. Principales y secundarios, deambulando por un gran escenario. Entre aplausos, vítores e incluso tomatazos, desempeñamos nuestro rol en esta función. Bajo una máscara para agradar a la crítica o a cara descubierta, disfrutamos de nuestra historia a la espera de “se baja el telón”. Pero, ¿de qué manera la vivimos?. Decía Charles Chaplin que “es una tragedia en primer plano, pero una comedia en plano general”. Y no se equivocaba. ‘Llorar de risa’ y ‘morir de risa’, expresiones de nuestra jerga, de vocablos enfrentados, que resuenan como amigos o rivales entre bambalinas. Ni Merida ni toga, somos tespios de nuestra propia tragicomedia. Un modo de vivir en el que no necesitamos a coreutas que nos digan cómo hacerlo, sino que somos libres para elegir el lado de la balanza, en la cual queremos estar. Gozar del Carpe Diem con lágrimas en los ojos y sonrisas infinitas. “La comedia es el género más difícil porque de verdad haces reír o no. Es algo intangible. Lo tienes o no. El drama, en cambio, me resulta más cómodo, ya que no esperas en ese sentido la respuesta inmediata del público, de ese gaje y de esa carcajada, sino que te llevas más por la historia. Como espectadora, me cuesta mucho más partirme de risa que llorar”, explica esta actriz de Barakaldo que al igual que su personaje, tiene unas cuantas vidas. “Afortunadamente, en el teatro hay más papeles para mujeres maduras que en el cine. Me gustaría interpretar a Titania o Lady Macbeth en el futuro”. Después de Núria Espert, Charo López, Terele Pávez, Gemma Cuervo e incluso José Luis Gómez, Anabel Alonso se pone en la piel de la alcahueta, que une los destinos de Calisto y Melibea para siempre. La tragicomedia ‘La Celestina’, “es un premio. Que me den la oportunidad de tocar este registro y que la gente me descubra a mis 60 años, es una suerte. La estoy disfrutando”, podrá verse hasta el 16 de junio en el Reina Victoria de Madrid. Doce años después de su propuesta, el dramaturgo Eduardo Galán regresa a la capital con una nueva versión. Manteniendo la esencia de la obra original, escrita por Fernando de Rojas, traslada su quid a la actualidad. Esta producción teatral de Secuencia 3 es dinámica, con un lenguaje clásico, pero sencillo, obviando así parrafadas barrocas y arcaísmos, características de la época. Una escenografía moderna y un vestuario muy humanístico completan su puesta en escena. Junto a la dirección de Antonio C. Guijosa, los espectadores podrán acercarse a esta historia universal de nuestra literatura, a través de un relato maduro y meditado, narrado desde el punto de vista de la Celestina. “Intentó quitarle esa imagen preconcebida que se tiene de la bruja del cuento. Simplemente es una superviviente, que cumple su palabra y se busca la vida, realizando encargos de la mejor manera posible. La Celestina no es tan mala ni el resto tan bueno e inocente como nos han hecho creer”, afirma. Para la construcción de este personaje, Anabel Alonso explica que “hay algo mío en ella y viceversa, que a veces no se donde empieza y acaba. Es una mujer vital que le encanta hacer su trabajo y vivir el momento al igual que a mi. Hay cosas que tenemos muy parecidas y cuanto más le conozco, más me gusta”. Junto a ella, completan el reparto José Saiz, Víctor Sainz, Claudia Taboada, Beatriz Grimaldos y David Huertas. Tercera, trotaconventos, encubridora, corredera, correveidile, sinónimos de un mismo adjetivo, disfrazados de insultos hacia ellas a lo largo de la historia. “En la literatura, las mujeres libres están mal vistas. A mi personaje se le puede considerar feminista porque era muy adelantada para su tiempo. Ella decía “vive, come, haz el amor, disfruta del cuerpo y del ahora, que luego ya veremos”. Además, remendaba virgos”. De acuerdo al Diccionario de la Real Academia Española, una celestina es “una persona que facilita o promueve de manera encubierta contactos con fines políticos, comerciales o de otro tipo”. A pesar de haber sido una casamentera televisiva en los programas ‘El flechazo’ y ‘Estoy por ti’, Anabel Alonso recalca que “para nada soy cotilla ni alcahueta”, aunque aconseja a su contraparte teatral que “si viviera en nuestra época, fuese libre y dueña de sí misma como era en 1500”. En el Día del Libro, aparte de comprar una rosa y una novela, no sabéis qué hacer. El mejor plan posible en el Teatro Reina Victoria de Madrid. ‘La Celestina’, un clásico de la literatura española para disfrutar hasta el 16 de junio.

  • Crítica | "La ermita", el refugio de las almas traumatizadas

    Una película de terror cargada de bastante drama Cartel oficial de "La ermita". | Filmax "La ermita" es un largometraje de terror dramático disponible en Netflix. Está creado por Albert Bertran Bas, Carlota Pereda y Carmelo Viera y dirigido por Carlota Pereda. Narra la historia de Emma (Maia Zaitegi), una niña que quiere aprender a comunicarse con el espíritu de una niña que lleva muchos siglos atrapada en la ermita del pueblo. Conoce a Carol (Belén Rueda), una falsa médium, e intenta convencerla para que le enseñe. Su ayuda es lo único que le queda para seguir unida a su madre enferma de cáncer cuando ella muera. Cuenta con una buena presentación de personajes. Primero con Emma, una de las protagonistas. Más tarde, llega el incidente incitador, ya que Emma se hace con el libro sobre brujería de la difunta madre de Carol. Justo después aparece la presentación de Carol, la otra protagonista que quedaba por mostrar. También salen los secundarios mientras tanto. Emma con los hombres pájaro en "La ermita". | Netflix En realidad hay dos tramas principales: la de Emma y la de Carol. En la del primer personaje, el primer punto de giro surge cuando aparece el hombre pájaro que intenta llevarse a su madre en el hospital. Emma se enfrenta al antagonista por primera vez, el punto medio se trata de la quemadura en la mano por volver a invocar a la criatura, y el segundo punto de giro es la muerte de la madre. En la trama de Carol, el primer punto de giro es cuando conoce a Emma, en el punto medio decide ir a la ermita, donde se encuentra de nuevo con Emma, y el segundo punto de giro surge cuando cree de verdad que Emma tiene el don y quiere ayudarla. Por tanto, los puntos de giro marcan los géneros del largo: terror y drama. El clímax llega con la entrada de Emma en el mundo de las almas atrapadas en la ermita. Una de las protas consigue su objetivo de ver a la niña allí. Pero la otra protagonista, Carol, no logra salvar al espíritu de su madre, aunque realmente ha cumplido su misión de ayudar a Emma. En la última escena de la película ambos personajes se marchan del lugar en llamas, obteniendo un arco de transformación muy grande, por lo que Carol se ha convertido en una creyente de ese mundo y Emma se ha sentido triunfadora al hacer lo que quería hacer. La trama principal es similar a otras obras del mismo género. Lo mejor es ver cómo el guion se va desarrollando hasta resolverse. Es compleja y más teniendo dos protagonistas. Juega con la trama en zigzag de Carol (mostrando flashbacks para explicar la razón por la que odia la brujería) y la lineal de Emma. Por otro lado, las subtramas; una entre ambas, otra de cada una con sus madres y otra con ellas mismas; se cierran una tras otra en el tercer acto de la película. Emma y Carol dentro de la ermita incendiada en "La ermita". | Netflix El tema de "La ermita" queda claro en la subtrama de Emma, que al final es realmente de lo que trata el largometraje. Creer tiene el poder de cambiar las cosas. Esto se puede entender en la escena en la que Carol comienza a aprender sobre la brujería mediante estudios de su madre, por ejemplo. Por otra parte, los conflictos (básico, interno, y de relación) de Emma cuentan con el poder de atrapar al público hasta el final de la película. Entre ellos, destaca el de relación con Carol y el interno su miedo al abandono. Además, el conflicto que resalta de Carol es el interno, ya que hace que el personaje quiera ayudar a Emma al sentirse identificada cuando niña. Tráiler oficial de "La ermita". | YouTube Asimismo, la dirección, la interpretación ante la cámara y el guion es lo más destacable de la obra. El largometraje mantiene el drama en cada escena y secuencia, donde las protagonistas tienen que decidir cada avance. Sobre todo, Emma. Se trata de una obra cinematográfica para quienes les gusta lo sobrenatural, el drama o ambas cosas. Muy recomendada por la manera en que está tramada y la ambientación.

  • Alba Cuartero, Sira Quiroga en ‘El Tiempo entre costuras, El Musical’: “El único superpoder que necesitas es creer en ti”

    El Teatro La Latina acoge este espectáculo, basado en la obra homónima de Maria Dueñas, hasta el 23 de junio Cuenta la leyenda que “un hilo rojo invisible conecta a aquellos que están destinados a encontrarse, sin importar tiempo, lugar o circunstancias. Se puede estirar o contraer, pero nunca romper”. El mundo se concibe como un tejido hilvanado con numerosos y emocionantes filamentos de vida. Es esa caja azul de galletas danesas, que tenían nuestras abuelas en casa, que cuando abrías, te llevabas la sorpresa y algún que otro pinchazo. Nuestras vivencias son dulces, pero también punzantes. Una maraña de hebras cosidas, deshilachas, sueltas, pérdidas, que como buenos costureros que somos, vamos seleccionando año tras año ante la atenta mirada de las Moiras. Como si de un mito grecorromano se tratase, Alba Cuartero, al igual que el heroico Teseo, ha salido de su laberinto, siguiendo una brizna hasta su amor verdadero: el TEATRO. “Nuestro cuerpo, nuestra voz y nuestra mente tienen que estar a punto para que en la función, que es en directo, esté todo perfecto para que el público lo pueda recibir así. Debemos tener un cuidado y una constancia comparadas con la de un deportista de élite”. Formada en esgrima y acrobacias, canta, baila y toca el piano, esta joven actriz de Navarra, “allá donde voy, me siento orgullosa de esta tierra de gente auténtica, con corazón y talento”, no está dando puntadas sin hilo. Una carrera meteórica o mejor dicho un txupinazo, “como pamplonica que soy, me haría mucha ilusión lanzar el cohete de los Sanfermines por mi familia y amigos”, en toda regla. Tras actuar en ‘El Médico’ y ‘La Historia Interminable’ y en un futuro, “me gustaría participar en una tragedia griega como Medea”, interpreta a Sira Quiroga en ‘El Tiempo entre costuras, El Musical’. Hasta el 23 de junio, con escala en Zaragoza a mitad de mayo, se puede ver esta producción de Beon Entertainment en el Teatro La Latina, en Madrid. Basado en la aclamada novela de Maria Dueñas, “fue un momento mágico y especial poder actuar delante de la autora como seguidora de sus trabajos”, este espectáculo, uno de los más exitosos y premiados a nivel nacional, es una aventura apasionante en la que los talleres de alta costura, el glamour de los grandes hoteles, las conspiraciones políticas y las oscuras misiones de los servicios secretos, “de momento prefiero vivir esta experiencia en el escenario”, se funden con la lealtad hacia aquellos a quienes queremos y con el poder irrefrenable del afecto. “Soy muy pasional. Estoy enamorada de la vida y de sentir. Claro que daría todo por amor, pero también por el cariño y el respeto hacia uno mismo como hace la protagonista”, señala Alba Cuartero, que alaba también las versiones de Sira Quiroga del libro y de la serie, interpretada por Adriana Ugarte, aunque “la he construido desde cero, dándole mi esencia, dejándome el alma y la piel en cada función”. “A parte de las partituras que son bonitas, pero técnicamente complejas, la parte emocional es un auténtico reto. Sira Quiroga es una persona que va pasando de niña a mujer, que la vida la va llevando, superándose a sí misma. Todos los días la vivo y la practico”, recalca esta actriz, que pese a las dificultades, “es un regalo que lo estoy disfrutando al máximo”. Querido por los lectores y el público, ‘El Tiempo entre costuras, El Musical’ es, como dice Cuartero, “una obra feminista escrita y protagonizada por mujeres. Cuenta nuestra historia. Mi personaje es alguien de la calle, que aunque sea ficción, todos los errores que comete, le pueden suceder a cualquiera, por eso muchos se identifican con ella porque no es perfecta”. Con su segunda temporada, este espectáculo, fidedigno a la obra original y supervisado por su creadora, emociona a España por igual. Teatros y auditorios, grandes y pequeños, público de todas las edades ensimismados ante lo que se muestra en el escenario. “Qué se quiera mucho, que se respete, que confíe en sí misma porque lo que es para ti, llega. Todo pasa por algo. Es importante confiar en nuestra esencia, formarse y estar despierto en la vida, aunque para mí, el único superpoder que necesitas es creer en ti”, sería el consejo, que daría a su versión mini. Para Alba Cuartero, ‘El Tiempo entre costuras, El Musical’ es puro sentimiento, pero se quedaría de entre todas las escenas con el reencuentro entre Sira Quiroga y su madre. “El momento más bonito es cuando se miran a los ojos y le dice “mama”, dando sentido a la historia de mi personaje porque ella es su motor”, matiza. “Siempre he estado rodeada de mujeres que cosen y de hecho, aprendí a hilvanar retales para mis muñecas. La costura es algo familiar, que siempre ha estado presente en mi vida”. La moda juega un papel fundamental en el espectáculo, donde el departamento de vestuario, en este caso, es un protagonista más. Para esta promesa del mundo del teatro, que tiene 17 cambios, llevar un Lorenzo Caprile es sentirse “una afortunada de que un diseñador, que ha vestido a personalidades tan importantes, haga un vestido para mi. Escogería el verde, que escenifica la evolución de Sira Quiroga sin ninguna duda”. “Es una historia que te atrapa desde un inicio, que te agarra las entrañas hasta que no te suelta hasta el final. Habla sobre la amistad, la relación maternal, el amor, la pasión y el espionaje. Intriga para que no te quieras perder un segundo”. Hasta el 23 de junio, seguid el hilo rojo invisible que todo lo une hasta el Teatro La Latina para disfrutar de ‘El Tiempo entre costuras, El Musical’.

  • Crítica | "Ricky Stanicky", una comedia acabada en drama

    El amigo imaginario que usan como excusa se hace realidad Cartel oficial de "Ricky Stanicky". | Prime Video "Ricky Stanicky" es un largometraje de comedia para adultos original de Prime Video. Está creado por Brian Jarvis y James L. Freeman y dirigido por Peter Farrelly. En casi dos horas de duración, relata la historia de un grupo de tres amigos de la infancia Dean (Zack Efron), JT (Andrew Santino) y Wes (Jermaine Fowler) que durante 25 años se han inventado a un amigo imaginario para salirse con la suya siempre que quieran. Pero de adultos esta mentira se ve comprometida y acaban contratando a un actor fracasado llamado Rod (John Cena) que se presenta como un imitador de rock and roll para adultos para convencer a sus parejas de que realmente existe. Cuenta con una presentación de personajes muy correcta, comenzando con un flashback del grupo de amigos cuando crearon al imaginario Ricky Stanicky en una noche de Halloween de pequeños para escaparse de una broma que acabó mal. Luego, aparecen los mismos pero ya de adultos y con su respectivas parejas. Un poco más tarde, llega el incidente incitador, ya que nace el bebé de JT y hacen una fiesta en la que las mujeres quieren que Ricky sea uno de los invitados más esperados. Ricky aparece en la fiesta del bebé de JT en "Ricky Stanicky". | Prime Video El primer punto de giro es cuando Dean llama por teléfono a Rod, el actor frustrado, para ofrecerle el papel de sus sueños, el punto medio es la despedida del actor tras la fiesta a la que tiene que hacerse pasar por Ricky Stanicky (también se siembra lo que se viene), y el segundo punto de giro es cuando Rod le confiesa a Dean que se ha cambiado el nombre a Ricky y que tiene una nueva vida. El clímax surge cuando todos conocen el cambio de Rod y acaba siendo uno más del grupo de amigos. En la última escena de la película es el grupo de amigos con Ricky incluido a diferencia del principio, donde aparecen los tres brindando por un amigo imaginario. Ahora brindan por el mejor amigo que siempre tendrán. La trama principal es similar a otras obras del mismo género. Lo mejor es ver cómo el guion se va desarrollando hasta resolverse. Es sencilla, pero muy entretenida y funciona de maravilla. Por otro lado, las subtramas; una con sus parejas, otra entre los protagonistas y otra personal de Dean (el protagonista de los protagonistas); se cierran una tras otra en el tercer acto de la película. El grupo de amigos brindando por Ricky en "Ricky Stanicky". | Prime Video El tema de "Ricky Stanicky" se encuentra en la subtrama de Dean, que al final es realmente de lo que trata el largometraje. Mentir para protegerse y que el antagonista tenía una vida falsa que se ha hecho real y Dean, una vida real que se ha convertido en falsa. Esto se puede entender en una de las escenas justo antes del clímax, donde Wes habla con Dean y le suelta todo lo que tiene que escuchar para que pare de seguir con la historia de Ricky. Los personajes son totalmente distintos y se complementan unos a otros. Cada uno, son motivadores para el grupo de tres y para que tengan que ir pensando cada paso en esta película para adultos. También tienen su backstory y sus vidas personales y profesionales. Es más, el arco de transformación de los personajes es el adecuado, empezando siendo unas personas y acabando siendo otras y con un amigo nuevo. Por otra parte, los conflictos (básico, interno, y de relación) de Dean cuentan con el poder de atrapar al público y conducirlo hasta el final de la historia. Entre ellos, destacan el de relación que tiene con su novia y el interno por ser el origen de todas sus mentiras sin fin. Tráiler oficial de "Ricky Stanicky". | YouTube Además, la fotografía, el vestuario y el color blanco es de lo más destacable de la obra aparte de la actuación. La película mantiene la comedia en cada escena, donde los protagonistas tienen que decidir cada paso que dan o no dan. Sobre todo, Dean, quien es una especie de líder en el grupo de colegas. Se trata de una obra cinematográfica para quienes les gusta la comedia para adultos y comedia en general. Muy recomendada por el guion, la dirección y la interpretación.

  • 5 series de sci-fi que ver en plataformas si DUNE te gustó

    5 series de ciencia ficción disponibles en plataformas de streaming para hacer más amena la espera de 'Dune: Messiah' Denis Villeneuve ha reavivado la fiebre por las ficciones sci-fi con su adaptación de la novela 'Dune', de Frank Herbert, en las dos primeras cintas de la que promete ser una de las trilogías más grandes del género de ciencia ficción de la historia del cine. 'Dune: Messiah', la tercera entrega de la saga, se ha confirmado, pero aún no se ha fijado una fecha de estreno. Hemos elaborado una lista de 5 series de ciencia ficción disponibles en plataformas para aliviar la espera de conocer cómo sigue el camino de Paul Atreides en el planeta Arrakis. Ficciones de subgéneros diferentes, pero siempre dentro del sci-fi, y que se encuentren actualmente en plataformas. 'Black Mirror' (2011), una antología sci-fi Una de mis series favoritas, la considero la mejor del género. La serie de Charlie Brooker es una antología de episodios auto conclusivos, pero siempre con un componente crítico y distópico que prevé avances tecnológicos y sus consecuencias para la sociedad. Las premisas de la ficción siempre están centradas en el tema del 'espejo negro', metáfora del reflejo de las pantallas de dispositivos tecnológicos. Tocando muchos géneros y tipos de historias, con un estilo crudo y violento, sus finales siempre invitan a la reflexión. Equipo artístico único por episodio, repleto de grandes intérpretes. 'Black Mirror' está disponible en Netflix. Mediante este enlace, accede al artículo en el que analizamos 'Black Mirror' 'Expediente X' (1993), uno de los sci-fi más emblemáticos Una serie que marcó la cultura pop de la época, ya que poca gente no conoce los nombres de los detectives Mulder y Scully, protagonistas de la ficción creada por Chris Carter. Una pareja de investigadores que se veían implicados en casos de diferente índole: tan pronto tenían una conspiración gubernamental, como hechos paranormales o con seres de otros mundos. Una serie que abrió camino a la mejora técnica y visual de las producciones para televisión, un formato con larga vida (218 episodios) y con un gran impacto en la sociedad. 'Expediente X' está disponible en Disney +. 'Fallout' (2024), otra adaptación de los videojuegos de ciencia ficción La nueva apuesta de Prime Video tras ver el triunfo de la adaptación del videojuego 'The Last of Us', donde han cogido una de las grandes sagas de videojuegos de todos los tiempos para llevarla a la pequeña pantalla. Los juegos de 'Fallout' tenían un gran potencial, con un mundo con normas, seres y parajes únicos. Ambientada en un mundo distópico en el que la Segunda Guerra Mundial escaló hasta un apocalipsis atómico. La sociedad superviviente, 200 años después, vive en unos apacibles refugios de lujo; sus protagonistas se verán obligados a dejar ese espacio para descubrir el irradiado mundo exterior que dejaron sus antepasados. 'Fallout' está disponible en Prime Video. 'El cuento de la criada' (2017), el drama distópico por excelencia Nacida de la novela homónima de la autora Margaret Atwood de 1985, un mundo distópico en el que Estados Unidos se ha convertido, tras una guerra civil, en un estado totalitario basado en la teocracia. Las mujeres fértiles son esclavizadas para tener a los hijos de la clase dominante, en un mundo en el que las violaciones y ejecuciones públicas están a la orden del día. La jerarquía fanática religiosa, la esclavitud y la privación de derechos de las mujeres.... La mezcla perfecta de drama y ciencia ficción, con una realización impecable, argumentos y personajes muy interesantes. 'El cuento de la criada' está disponible en HBO MAX y Prime Video. 'The Last of Us' (2023), zombies y acción por todas partes La primera gran adaptación de un videojuego en una serie por parte de una plataforma, en este caso HBO MAX. Con Pedro Pascal y Bella Ramsey como Joel y Ellie, la primera temporada adapta el argumento de la primera parte de la saga de videojuegos. Un mundo destruido hace 20 años debido a la infección de la mayoría de la sociedad de cordyceps, un hongo que se apodera del cuerpo de los seres humanos. Joel tiene la misión de sacar a Ellie de la zona de cuarentena en la que viven y llevarla a la otra punta de Estados Unidos, ya que la adolescente puede ser la única esperanza de salvar la humanidad. Una historia de ciencia ficción, acción, drama, terror... Un cóctel con capítulos muy destacables, que tuvo una acogida bastante buena por parte de la audiencia, abriendo el camino a estas adaptaciones de videojuegos por parte de las plataformas, como es el caso de 'Fallout'. 'The Last of Us' está disponible en HBO MAX.

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